BESOS EN EL ARTE

Brotherhood Kiss (1990) Dimitri Vrubel

Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal

Realizado para la East Side Gallery del muro de Berlín, representa el beso entre los líderes socialistas Erich Honecker y Leonid Brézhnev.

A pesar de lo que la imagen pueda parecer, no representa un beso con connotación sexual sino un beso de hermanamiento de los que fueran presidentes de la Unión Soviética y la República Democrática Alemana durante la celebración del 30 aniversario de esta última en 1979.

El Beso (1889) A. Rodin

Una de las representaciones más icónicas del arte, representa a una pareja unida en un apasionado beso que les llevaría a la muerte.

Rodin representó a Francesca y Paolo, dos amantes condenados al infierno según la obra El Infierno de Dante, en su primer beso.

Amantesde Ain Sajri (c. 10.000 A.C.)

Hallados en una de las cuevas de Ain Sajri, cerca de Belén, se encuentran actualmente en el British Museum.

Tallada en una sola piedra se considera la representación más antigua de un amor sexual, y aunque la pareja no tiene cara y es imposible determinar su género sexual, representa claramente un beso.

El Beso II (1962) Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein fue uno de los máximos representantes del pop art americano, su estilo se caracterizaba por reproducir a gran escala las viñetas de los cómics, realizados a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizaban para imprimir estos.

En el beso II representó el apasionado beso de dos amantes siguiendo este estilo.

En 1990 fue subastado y comprado por el propietario de una galería japonesa por seis millones de dólares.

El Beso Robado (1790) J.H. Fragonard

Las representaciones de besos fueron realmente muy raras en la pintura renacentista, pero a partir del siglo XVIII, con la llegada del movimiento rococó, el amor erótico se convirtió en un tema frecuente entre los más destacados pintores franceses.

En esta obra de Jean-Honoré Fragonard se representa a una joven sorprendida por el beso de un admirador.

El Beso (1908) G. Klimt

La pintura, la más conocida del artista austríaco, representa a un hombre sujetando a una mujer entre sus brazos mientras la besa.

Fue exhibida por primera vez en la Exposición de Arte de 1908 en Viena bajo el título Los Amantes y adquirida por el gobierno austríaco por una cifra astronómica, 25.000 coronas cuando el precio más alto pagado por una pintura en Austria habían sido 500 coronas.

MING. EL PERIODO DORADO

Desde el pasado 3 de noviembre y hasta el próximo 19 de febrero, el CaixaFòrum de Palma acoge la exposición Ming. El imperio Dorado, compuesta por 126 piezas de cerámica, orfebrería, pinturas y esmaltados procedentes de la colección del museo de Nanjing, el primer gran museo nacional de China.

Retrato de He Bin, comandante dinastía Ming

La dinastía Ming dominó China durante 276 años. Entre los años 1368 y 1644, dieciséis emperadores de la familia Zhu gobernaron a una población que aumentó hasta los aproximadamente 175 millones. A lo largo de ese periodo dinástico, China logró una gran prosperidad y adquirió fama en Europa como proveedora de artículos de lujo y como un lugar lleno de misterio. La combinación de riqueza e influencia exterior generó en el seno de la sociedad Ming unas tensiones que transformarían China para siempre.

En chino, Da Ming significa gran resplandor. Además, el reinado de cada uno de los emperadores fue conocido con un nombre especial, elegido para describir su carácter particular. Así, la época del primer emperador, Zhu Yuanzhang, del 1368 al 1398, fue conocida como el periodo Hongwu, que significa extraordinariamente marcial, denominación que revela los orígenes militares de los Ming, que derrocaron a la dinastía Yuan, establecida por los mongoles en el año 1271.

Talla en bambú de un pescador

La defensa ante otra posible dominación extranjera, en especial procedente del norte, marcó el talante de la dinastía Ming. Para evitarla se consideraban esenciales un poder central fuerte, unas comunicaciones eficientes y grandes ejércitos. Se requería asimismo un retorno a los valores tradicionales chinos de la familia, la educación, la cultura, la jerarquía y la estabilidad social.

No obstante, otras fuerzas entraron en juego, por una parte, el aumento del comercio, favorecido por la llegada de plata extranjera de Japón y Suramérica, puso en entredicho el orden establecido, por otra, la población aumentó, las ciudades crecieron y surgió una nueva “cultura del consumo” entre la clase comerciante emergente, con lo que las certezas del pasado empezaron a desmoronarse.

La exposición se divide en cuatro ámbitos, el primero Palacios y murallas hace referencia a la vida del emperador, mostrando los objetos rituales y la decoración y objetos cotidianos de la vida en la corte.

Bordado, Wuyi de noche, (S. XVI-XVII)

La segunda parte, La sociedad ideal, muestra la importancia de la jerarquía social para la dinastía Ming, mostrando objetos con los que se resalta la importancia de las artes de la caligrafía, la poesía y la pintura.

En La Buena vida se muestran los cambios en la "sociedad ideal" y cómo los Ming se adaptaron a la nueva realidad, de manufactura de productos y comercio, exponiendo las obras de los denominados artistas eruditos y de los cuatro maestros de la Escuela de Wu.

Por último nos encontramos con Más allá del imperio, donde se explica como el arte de la dinastía Ming se extendió más allá de las fronteras del imperio, donde adquirió gran popularidad, exhibiéndose una versión dibujada a mano del mapa impreso confeccionado por el sacerdote italiano Matteo Ricci.

Cigala de oro sobre una hoja de jade

LA PIRÁMIDE DE ROMA

Pirámide Cestia y puerta de San Paolo

La arquitectura funeraria romana en un principio siguió la tradición etrusca de construir tumbas circulares en forma de túmulos, inspirados en las tumbas de Cerverteri, que en Roma adquirieron unas dimensiones monumentales.

Posteriormente, con la conquista e integración de nuevos territorios al imperio, empezaron a difundirse nuevos ritos y arquitecturas que se reflejaron en la construcción de los monumentos funerarios romanos.

Uno de estos ejemplos lo encontramos en la construcción de la pirámidede Cayo Cestio, también conocida como pirámide Cestia, sepultura de Cayo Cestio Empulón, magistrado romano y miembro del Septemviri Epulonum, uno de los grandes cuatro colegios de Roma.

Fue construida entre los años 18 y 12 A.C. siguiendo modelos egipcios, más propios de la época ptolemaica que de las conocidas pirámides de época faraónica. Este tipo de construcciones se habían puesto de moda tras la conquista de Egipto en el 30 A.C. por Octavio.

Ruinas con la pirámide de Cayo Cestio
(1730) G.P. Panini

También en Roma, cerca de la basílica de San Pedro Vaticano, se encontraba otra tumba en forma de pirámide conocida como la Meta Romuli, llamada así durante la Edad Media ya que junto con la pirámide Cestia, Meta Remi, se identificaron como las tumbas de los fundadores legendarios de la ciudad, Rómulo y Remo. Esta pirámide se conservó hasta principios del siglo XV cuando el papa Alejandro VI la demolió para construir la nueva Via Alessandrina.

La pirámide Cestia se construyó extra muros siguiendo las leyes del momento, que prohibían la construcción de monumentos funerarios dentro de las ciudades, aunque con la extensión de la ciudad en el siglo III ya se encontraba rodeada de edificios.

En este mismo siglo, bajo el mandato del emperador Aureliano, se empezó a construir una muralla defensiva, muralla aureliana, para proteger la ciudad de las invasiones bárbaras. Ésta tenía una extensión de diecinueve kilómetros y entre sus muros se integraron, entre otros monumentos, la pirámide Cestia o el Castillo Sant'Angelo, mausoleo de Adriano, lo que permitió que se salvasen de la destrucción, en la Edad Media, y posteriormente, los antiguos templos y monumentos romanos fueron usados como canteras para las nuevas construcciones cristianas.

El cuadrado de la base de la pirámide mide 29,50 metros de lado, 100 pies romanos, y tiene una altura de 36,40 metros.

Pirámide de Cayo Cestio (1749) J.M.W. Turner

La construcción se realizó a partir del opus caementicium, una mezcla de mortero y piedras, con un revestimiento exterior de mármol blanco travertino. En el lado oeste se encuentra una pequeña puerta que lleva a la cámara funeraria, de planta rectangular y abovedada, bóveda de cañón, las paredes estaban revestidas con el opus latericium, capas de ladrillos, y enlucidas lo que permitía una decoración pictórica que se ha relacionado con el tercer estilo.

En 1663 por orden del papa Alejandro VII se realizaron una serie de excavaciones y una restauración en la que se arreglaron las superficies de mármol y se corrigieron las deformaciones del revestimiento.

La pirámide cuenta con varias inscripciones antiguas, una repetida en los lados este y oeste y dos grabadas en las bases de las estatuas de bronce que se encontraban en el exterior y representaban al difunto, en las que se documentan los cargos públicos y los herederos del difunto.

CURIOSIDADES SOBRE LA PALOMA DE LA PAZ DE PICASSO

Colombe Paix (1949)

Tras la Segunda Guerra Mundial y ante el inicio de la Guerra Fría, se organizó en abril de 1949 un Congreso Mundial por la Paz en la ciudad de París. Dirigido por el movimiento comunista internacional se abogaba por el desarme de los países occidentales.

Entre los asistentes se encontraban personalidades como Frederic Joliot-Curie, premio Nobel de química, Pablo Picaso, el poeta Louis Aragon, Jean-Paul Sartre o Pablo Neruda.

En enero de 1949 Picasso realizó en el taller del grabador Fernand Mourlot, en París, una litografía en la que representó una paloma, de la que se realizaron cincuenta impresiones firmadas y numeradas, más cinco pruebas de artista para la galería Louise Leiris.

La imagen que realizó fue una composición de lo más simple, una paloma blanca que se destacaba sobre un fondo negro.

Tras visitar el estudio de Picasso, Louis Aragon eligió la litografía de la Paloma para ilustrar el cartel del Congreso por la Paz de 1949.

La imagen se convirtió en el emblema de los congresos posteriores, en los que Picasso realizó diferentes variaciones sobre la imagen de la paloma.

Picasso era considerado un símbolo del antifascismo y la defensa de la paz y la libertad tras pintar el Guernica en 1937 como respuesta a los bombardeos alemanes en la Guerra Civil Española.

Un día antes de que se iniciara el congreso, François Gilot, compañera de Picasso, dió a luz una niña a la que llamaron Paloma.

Blue Dove with Yellow Sun (1949)

Para Picasso las palomas eran un recordatorio de su infancia y de su padre, que le había enseñado a pintar palomas en su Málaga natal.