20 octubre 2018

TAMARA DE LEMPICKA

Autorretrato en el Bugatti verde (1929)

Tamara de Lempicka nació en 1898 como Maria Górska en Varsovia, que en aquel entonces formaba parte de imperio ruso. Hija de una familia acomodada en 1911 recorrió junto a su abuela Italia, país en el que conoció la obra de los grandes pintores italianos y que despertó su interés por el arte.

Con 18 años se casó con el abogado polaco Tadeusz Lempicki con quien se instaló en San Petersburgo.

Durante la revolución rusa de 1917 los bolcheviques detuvieron a su marido, tras semanas buscándolo María consiguió liberarlo utilizando sus conexiones sociales y encanto. Poco después abandonaron Rusia para instalarse en París, ciudad en la que su familia se había refugiado.

Kizette en el balcón (1927)
Fue en esta ciudad, a principios de la década de los años 20, que su vida dio un cambio radical, empezó a estudiar arte en la Académie de la Grand Chaumière con el pintor André Lhote, por consejo de su hermana Adrienne, aunque también por necesidad, su marido no aceptaba ningún trabajo y vivían de la venta de sus joyas.

Cambió su nombre por Tamara de Lempicka y empezó a exponer sus obras en el Salon des Indépendants, el Salon d'automne y en 1925 tuvo su primera exposición individual en Milán, consiguiendo una gran demanda como pintora de retratos para la alta sociedad parisina.

Su estilo pictórico se desarrolló rápidamente con características propias del diseño Art Deco e influencias cubistas, un estilo al que denominaron cubismo suave, aunque nunca perteneció, a pesar de sus intentos, a ningún movimiento vanguardista. En sus obras destaca la representación de la figura femenina como una mujer fuerte, libre y emancipada rodeada del glamour de los años 20.

Adán y Eva (1932)
En 1928 se divorció de su marido que no aceptaba su estilo de vida, lleno de fiestas, drogas y relaciones con otros hombres y mujeres.

En 1934 se casó con su amante el barón austrohúngaro Raoul Kuffner von Diószeg, con quien se mudó a Estados Unidos al estallar la Segunda Guerra Mundial.

Instalada en Nueva York continuó pintando, aunque su estilo Art Decó era cada vez menos demandado. En los años 60, tras enviudar, empezó a experimentar con nuevos estilos, interesándose por la abstracción, aunque su obra no volvió a conseguir los mismos éxitos que en su época dorada en París.

En uno de sus viajes a Francia conoció al marchante Alain Blondel quien le propuso realizar una exposición retrospectiva de su obra. En 1972 se inauguró en París la exposición Tamara de Lempicka 1925-1935.

Murió en Cuernavaca, México, ciudad a la que se había retirado junto a su hija Kizette, en 1980.
Retrato del marchese D'Affitto (1925)
Tras su muerte su nombre se fue recuperando poco a poco, en 1986 Franco M. Ricci le dedicó todo un número de su revista FMR, el New York Times se hizo eco de su obra y en 1994 la galería Christie's subastó su obra Adán y Eva, de la colección de Barbra Streisand, por 1,8 millones de dólares, y desde entonces se han realizado exposiciones retrospectivas de su obra por todo el mundo.

15 julio 2018

INSÒLIT FESTIVAL



Del 11 al 14 de julio se ha podido disfrutar en los patios de Palma de Insòlit Festival de Intervencions Efímeres als Patis de Palma, una iniciativa de la Plataforma d'Iniciatives per a l'Acció Cultural La Insólita, organizado por el Departamento de Cultura, Patrimonio y Deportes del Consejo de Mallorca y con el apoyo otras instituciones como el Ayuntamiento de Palma, la Universitat de les Illes Balears, el Col·legi Oficial d'Arquitectoes de les Illes Balears, l' Escola de Disseny de les Illes Balears, además de otras instituciones, centros educativos y empresas implicadas.

El objetivo principal del festival es fomentar el interés de residentes y visitantes hacia el patrimonio arquitectónico, cultural y creativo de la ciudad de Palma.

Por otra parte, quiere impulsar y dar a conocer la riqueza creativa de nuestro territorio, destacando su excelencia y haciendo visible su legado. La vinculación de Mallorca con la creatividad es de sobra conocida y con este acontecimiento se quiere reivindicar la valía de esta influencia en la obra de numerosos intelectuales y artistas. Una influencia que en ningún caso no se puede dar por agotada y que hoy en día artistas y creadores locales y foráneos siguen cultivando. Es por eso que el festival se quiere convertir en un punto de encuentro, un espacio de intercambio y discusión con creadores y teóricos de todas partes que sigan fomentando y consolidando este activo creativo insular.

Insòlit es un gran acontecimiento cultural a partir de diferentes acciones culturales durante la semana del festival, como las intervenciones en los patios de Palma con unas instalaciones efímeras que proponen una aventura sensorial, una mirada poco convencional hacia estos espacios patrimoniales, un ciclo de conferencias, una visita guiada por los patios de Palma que participan en el festival y un taller familiar con el objetivo de acercar a los más pequeños la cultura, el patrimonio, la arquitectura y el diseño.


29 junio 2018

ROBO EN EL MUSEO CHÁCARA DO CÉU

Marina (1880-90), C. Monet
El 24 de febrero de 2006, durante el primer día de celebraciones del Carnaval en Río de Janeiro, cuatro hombres armados entraron en el museo Chácara do Céu robando obras de Pablo Picasso, Salvador Dalí, Claude Monet y Henri Matisse que a día de hoy, 12 años después, siguen desaparecidas.

La coincidencia con las fiestas de carnaval no fue una simple casualidad, los ladrones escogieron el día sabiendo que las calles estarían llenas de gente que dificultarían la llegada de la policía y por la misma razón no habría muchas visitas. Y no se equivocaron.

La Danza (1956), P. Picasso
El robo fue rápido y limpio, en apenas cinco minutos consiguieron desarmar a los guardias de seguridad, que mantuvieron como rehenes junto a otros miembros del personal y varios turistas que estaban visitando el museo, y desactivar las alarmas y el circuito interno de vigilancia.

Los ladrones fueron directamente a por las obras, La danza de Picasso, Dos balcones de Dalí, Marina de Monet, y Los jardines de Luxemburgo, de Matisse, además de una edición de Toros, un libro de grabados de Pablo Picasso.

Todas las obras pertenecían al empresario y mecenas Raimundo de Castro Maya, quien donó la colección a la ciudad de Río de Janeiro junto con su casa, Chácara do Céu, donde se ubicó el museo.

Dos balcones (1929), S. Dalí
La huida fue igual de sencilla, los ladrones vestidos simplemente con vaqueros y camisetas blancas salieron del museo con los cuadros sobre la cabeza uniéndose al ritmo de las comparsas que desfilaban por las calles y desapareciendo.

Poco tiempo después se encontró, en un barrio a las afueras de la ciudad, los restos quemados del paspartú que rodeaba las pinturas. La policía creyó que las pinturas también habrían sido quemadas y abandonó la investigación, aunque el Museo mantiene una recompensa por cualquier pista que conduzca al paradero de las piezas robadas.
Los jardines de Luxemburgo (1903), H. Matisse

22 junio 2018

GUERRA DE COLORES

Anish Kapoor en Instagram

Vantablack, creado por la compañía británica Surrey NanoSystems, es la sustancia más negra que existe actualmente, llegando a absorber el 99,965 por ciento de toda la radiación de luz visible.

Realizado a partir de nanotubos de carbono su uso se destinó básicamente al sector militar y aeroespacial, aunque llamó la atención de todo el mundo, en especial de los artistas que vieron el nacimiento de un nuevo color.

Posteriormente los ingenieros de NanoSystems consiguieron desarrollar una nueva versión de Vantablack, a la que llamaron S-Vis, mucho más fácil de aplicar y que podía utilizarse en el mundo del arte.

De entre todas las peticiones que recibieron decidieron ofrecer los
Stuart Semple en Instagram
derechos exclusivos del
Vantablack, por una cifra desconocida, al artista Anish Kapoor algo que no fue muy bien recibido por parte de otros artistas.

Uno de ellos, Stuart Semple, decidió responder al pacto egoísta poniendo a la venta una pintura rosa ultra fluorescente, creada por él mismo, y considerado el rosa más rosado del mundo, The World's Pinkest Pink.

Para adquirilo, 3,99 por unos 51 gramos, hay que asegurar que no eres Anish Kapoor, que no lo compras para él y que de ninguna manera llegará a sus manos.

Los artistas empezaron a comprar el rosa para usarlo en obras que subieron a las redes, compartiéndolas con el hastag #sharetheblack, comparte el negro, como forma de protesta por el uso exclusivo del Vantablack.

Semple ha continuado creando colores Black 2.0, Yellowest Yellow, Greenest Green y Loveliest Blue, también a la venta y prohibidos para Kapoor.

Mientras que Anish Kapoor aún no ha realizado ninguna obra utilizando el negro Vantablack, ya sea por la dificultad de su aplicación o por lo reducido de su producción.

15 junio 2018

JEFF KOONS Y SUS “BALLOON DOGS”

Balloon dog (1994)
Tras estudiar pintura en el Instituto de arte de Chicago y licenciarse en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA) se trasladó a Nueva York donde empezó a trabajar en el museo de Arte Modeno (MoMA).

En 1980 dio un cambio radical a su vida y empezó a trabajar como corredor de bolsa en Wall Street, aunque sin dejar de lado el arte.

Su carrera como artista empezó a ser reconocida a mediados de los años ochenta tras su primera exposición individual, The equilibrium Series, en la International with Monument Gallery de Nueva York, en la que presentó tanques llenos de agua en los que sumergía balones de baloncesto.

Poco tiempo después abrió un estudio, más parecido a un taller, en un loft del SoHo con 30 asistentes. Posteriormente ocupó una nave de 1500m2 en el barrio de Chelsea en el que trabajaban una media de 90 a 120 asistentes que se regían por un sistema de color por números, desarrollado por Koons, para que los lienzos y esculturas que realizaban pareciesen hechos por una sola mano.
El arte de Koons está lleno de controversia, algunos críticos de arte lo califican de Kitsch y comercial, siendo etiquetado como neo-pop o post-pop, un movimiento de los años 80 que nació como reacción al minimalismo y conceptualismo en boga en la década anterior.

En 1994 creó la serie Celebration esculturas de grandes dimensiones realizadas en acero inoxidable y acabadas con una capa de color translúcido que representan perros realizados con globos, Balloon Dog, corazones de San Valentín, Hanging Heart, flores, Balloon Flower,...

Según Koons a través de esta serie buscaba reflejar la felicidad de celebrar una fiesta por lo que infló globos hasta encontrar la forma perfecta, un perro, para posteriormente realizarla a gran escala.

Existen cinco versiones del Ballon Dog de unas dimensiones de 307,3x363,2x114,3 cm. y realizadas en diferentes colores azul, magenta, naranja, rojo y amarillo.

Estas obras son las más reconocidas del artista y también de las más rentables, Balloon Dog (naranja) se subastó en Christie's por 58,4 millones de dólares, rompiendo el récord mundial de la obra de arte más cara vendida de un artista en vida y actualmente se encuentran en manos de los mayores coleccionistas privados. 

08 junio 2018

LA BÚSQUEDA DE LA ÚLTIMA CENA DE LEONARDO


Entre 1495 y 1497 Leonardo da Vinci pintó para el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán una de sus obras más conocidas La última cena.

Un mural encargado por su patrón el duque Ludovico Sforza en el que empleó una nueva técnica, utilizando sobre varias capas de yeso pintura al óleo, esto le permitió trabajar más despacio y conseguir unos colores más brillantes, pero la pintura no se adhirió y al poco tiempo empezó a desprenderse. Tampoco ayudó a su conservación la humedad que provenía de la cocina y del subsuelo.

Para intentar frenar su deterioro y mantener la pintura fue sometido a numerosas restauraciones, pero a pesar de todos estos intentos hoy en día apenas queda un 20 por ciento de la pintura original, algo que dificulta el poder comprender el impacto que causó en su momento.

Aunque esto puede cambiar ya que dos autores, Jean Pierre Isbouts y Cristopher Heath Brown, aseguran a través de un cortometraje documental The search for the last supper, La búsqueda de la última cena, haber encontrado en una remota abadía de Tongerlo, Bélgica, una desconocida copia del mural en la que se pueden apreciar los colores y tonos brillantes que contemplaron y admiraron sus coetáneos.
La última cena (copia), C. da Sesto (1477-1523)
Según los autores la copia, sobre lienzo y del mismo tamaño que el original, fue realizada en el mismo taller de Leonardo en 1507, supervisada por uno de sus discípulos Andrea Solario, quien había estado en Milán mientras Leonardo completaba la versión original, por encargo del rey Luis XII de Francia, quien había tomado Milán en el verano de 1499.

El rey, según Giorgio Vasari, visitó el monasterio de Santa Maria della Grazie y quedó fascinado por la pintura, esperando poder llevársela con él a Francia, algo imposible debido a que estaba pintada sobre una pared por lo que, según Isbouts y Brown, encargó al propio Leonardo una copia que si podría transportar.

Para estas afirmaciones se basan en una carta encontrada en los archivos de Florencia y fechada en enero de 1507, en la que el rey Luis XII escribe: necesitamos a Leonardo, y un inventario de 1540 del gobernador de Milán en Gaillon, Francia, en el que se incluye una Última cena sobre lienzo con figuras monumentales que el rey trajo de Milán.
La última cena (1495-97), L. da Vinci
Posteriormente la obra fue comprada por la abadía de Tongerlo, siendo identificada por el abad como un trabajo de Leonardo.

Según los expertos a quienes Isbouts y Brown han mostrado la obra, esta fue realizada por el taller de Leonardo, aunque las figuras de Jesucristo y San Juan podrían ser obra del propio Leonardo.

A través del documental se intentará recaudar fondos para la restauración del lienzo, que aunque se encuentra en un mejor estado que el original, sufrió daños significativos durante un incendio en la abadía en 1929.

01 junio 2018

EL ÁNGEL SONRIENTE DE LA CATEDRAL DE REIMS

Fotografía de 1918
En 1211, Aubry de Humbert, arzobispo de Reims colocó la primera piedra que iniciaría la construcción de una nueva catedral, destinada a sustituir a la antigua, de época carolingia, que había sido destruida por un incendio el año anterior.

A finales del siglo XIII la construcción ya estaba prácticamente acabada, sólo faltaba la fachada occidental, que se levantó durante el siglo XIV, aunque siguiendo los diseños realizados en el siglo anterior.

La rapidez con la que se realizaron las obras de construcción se debieron a la importancia de la ciudad de Reims como centro comercial de la región y al simbolismo político que había alcanzado como testigo de importantes sucesos históricos.

Juana de Arco en la coronación de Carlos VII en
Reims
(1865), L. Bakalowicz
En la Navidad del año 496, Clodoveo I, rey de todos los francos y fundador de la dinastía merovingia, eligió la pequeña iglesia de Reims para ser bautizado, convirtiéndose al cristianismo junto a otros 2.000 francos, por el obispo de la ciudad, St. Rémi. Posteriormente, en el año 816, otro rey, Ludovico Pío, hijo de Carlomagno, también la elegiría para su consagración como emperador.

En el siglo XIII Luis IX decretó que todos los monarcas franceses debían ser ungidos en Notre-Dame de Reims, y así fue durante quinientos años, siendo Carlos X el último rey de Francia en ser coronado en la catedral, que también fue testigo en 1429 de la llegada del delfín de Francia, futuro Carlos VII, escoltado por una joven adolescente vestida con armadura y líder de un ejército, Juana de Arco.

Durante la república Reims no perdió el poder que había alcanzado a lo largo de los siglos gracias al importante papel jugado por su catedral y prueba de ello fue el enfurecimiento de los franceses cuando la ciudad fue tomada y saqueada por los prusianos en 1870, y que aplaudieron la decisión de los aliados al elegirla como lugar para recibir la rendición de Alemania en mayo de 1945.

Aunque entre estos dos momentos ocurrió el peor en la historia de la ciudad.
Bombardeos alemanes sobre la catedral de Reims
En agosto 1914, durante la I Guerra Mundial, las tropas alemanas invadieron Reims, convirtiendo la catedral en un hospital para sus tropas, siendo reconquistada un mes después por el ejército francés. Los alemanes abandonaron la ciudad pero se mantuvieron a escasa distancia y con los cañones apuntando directamente a la ciudad.

El primer proyectil fue lanzado el 19 de septiembre de 1914.

Gran parte de la catedral estaba rodeada por andamios de madera llenos de sacos de arena, que el arquitecto del templo, Max Sainsaulieu, había colocado como medida de protección para las estatuas que no habían podido ser trasladadas. Con el impacto de las bombas los andamios se incendiaron extendiendo el fuego hasta el techo, de roble y plomo, que se derritió fluyendo a través de las gárgolas hacia las calles y por las grietas del tejado hacia el interior de la catedral prendiendo fuego a la paja, dejada por los alemanes, y los bancos de madera.

Gran parte de la catedral fue destruida, incluido el ángel sonriente, l'ange au sourire, en el portal izquierdo de la fachada principal, que representa al arcángel San Gabriel.

Durante el incendio se desplomaron varios trozos de la parte alta de la fachada principal provocando la decapitación del ángel cuya cabeza cayó al suelo y se rompió en varios pedazos. Tras el incendio, el abad Thinot, recogió los restos y los guardó en los sótanos del arzobispado, quedando olvidados hasta que M. Sainsaulieu los descubrió en 1915 convirtiéndolo en un símbolo de la destrucción del patrimonio francés por parte del ejército alemán.

Tras finalizar la guerra se decidió restaurar la escultura a partir de los fragmentos originales y de moldes conservados en el museo de los Monumentos Franceses, colocándose en el mismo lugar en el que había estado por más de 600 años el 13 de febrero de 1926, convertido ya en un símbolo de la ciudad.

25 mayo 2018

CLARA PEETERS

Posible autorretrato de Clara Peeteres (hacia 1610)
Clara Peeters fue una de las pocas mujeres pintoras activas en Europa durante el siglo XVII, una época en la que los prejuicios sociales hacían que las mujeres se encontraran con grandes dificultades para poder desarrollar una carrera profesional.

No se sabe mucho sobre su vida y la poca información que tenemos procede de las obras que pintó entre los años 1607, fecha en la que encontramos su primer cuadro firmado, y 1621, año en la que aparece su última obra fechada.

De la escasa producción conocida de Peeters, unas cuarenta obras, sólo once tienen la fecha de su realización, lo que hace muy difícil poder saber si estos son los únicos años en los que trabajó o su carrera se extendió en años posteriores.

Tampoco conocemos su fecha de nacimiento, pero por el primero de
Bodegón con copas de cristal (1607)
sus cuadros que conocemos, realizado en 1607, en el que se aprecia un estilo propio de una etapa de aprendizaje, los historiadores han podido fechar su nacimiento en torno a los años 1588-1590 en la ciudad de Amberes, o por lo menos en esta ciudad sería donde realizó gran parte de su obra.

En un documento de 1635 se describe un cuadro como banquete de dulces pintado en 1608 por una mujer, Claer Pieters, de Amberes. A parte de esto, pintaba sobre madera de roble con el sello del gremio de los madereros de Amberes y en algunas de sus obras aparecen representados cuchillos de plata en los que también aparece el sello de la ciudad de Amberes.

Su obra debió gozar de cierto prestigio y difusión, ya que en el siglo XVII algunos de sus cuadros aparecen documentados en grandes colecciones, como la del marqués de Leganés, al que Rubens describió como uno de los grandes conocedores y coleccionistas de arte de su época, o la del rey Felipe IV, en 1666 dos de sus obras aparecen documentadas en las colecciones reales.

Mesa (1611)
Debido a las limitaciones impuestas a las mujeres artistas, Clara Peeters no pudo estudiar anatomía humana, normalmente se pintaban modelos desnudos, por lo que se tuvo que dedicar a un género que en la época se consideraba menor, los bodegones.

En ellos podemos ver el retrato de las costumbres, los gustos y la cotidianeidad de la alta sociedad de su época. Sus bodegones aparecen repletos de manjares como los peces de agua dulce, las alcachofas, procedentes de África y consideradas afrodisíacas, o las aves de caza, exclusivas de la nobleza, que se acompañan de objetos lujosos como las porcelanas chinas, las copas de cristal veneciano y los saleros de plata, la sal era un bien escaso y preciado.

Meticulosa en el detalle, Peeters incluyó pequeños autorretratos en miniatura reflejados en las copas, jarras o candelabros de algunos de sus bodegones, como una manera de reafirmarse como pintora y mostrar su habilidad y maestría. También aparece su nombre grabado en varios cuchillos de plata, los comensales de la época solían llevar sus propios cuchillos a los banquetes, no había tenedores, y solían incluirse entre los regalos de boda.
Bodegón con cangrejo, camarones y langosta

En 2016 Clara Peeters se convirtió en la primera mujer artista a la que el museo del Prado dedicó una exposición.

18 mayo 2018

SONRISAS EN EL RIJKSMUSEUM

Una de las obras más conocidas dentro del mundo del arte es la Mona Lisa, de la que todo el mundo destaca su sonrisa. No era muy normal que las personas retratadas sonriesen, sobretodo debido a la precariedad de los cuidados odontológicos de la época, y una sonrisa podía mostrar el mal estado de los dientes y encías.

En el arte las grandes sonrisas solían estar reservadas a las representaciones de borrachos o perturbados y difícilmente las podríamos encontrar en los retratos de la realeza o grandes dignatarios.

Pero el año pasado el diseñador británico Olly Gibbs se paseó por el Rijksmuseum de Amserdam con su móvil y FaceApp, una aplicación para móviles que puede agregar una sonrisa en la cara de cualquier persona que no sonríe, cambiando las sombrías pinturas y esculturas.








11 mayo 2018

RETABLO DE SAN PABLO DE PERE MARÇOL

Lapidación de San Esteban
El retablo de San Pablo es uno de los pocos ejemplos de retablo gótico que se conservan completo y en el mismo lugar para el que fue destinado, la capilla titular del Palacio Episcopal, un espacio que hoy en día forma parte del Museo Diocesano de Mallorca.

Está compuesto por una tabla central en la que se representa al apóstol de cuerpo entero, mirando al frente, sosteniendo un libro abierto con las palabras egovas elecci onis sancte Paule apostole predi cator v eritatis in universo mundo y la espada de su martirio. A los pies del apóstol y representado de rodillas y en un tamaño mucho menor, como símbolo de respeto y humildad, aparece la figura del Obispo de Galiana que ocupó la sede episcopal de Mallorca entre los años 1363 y 1375.

La identificación del obispo como Antoni de Galiana fue posible gracias a la representación de su escudo de armas, que se repite hasta seis veces, en la parte superior del retablo.

En las calles laterales, divididos en cuatro compartimentos, se representan escenas narrativas que hacen referencia a los principales episodios de su vida y leyenda. La lapidación de San Esteban, a la que San Pablo asistió antes de su conversión, la caída del caballo en el camino de Damasco, que supuso su conversión, la predicación y el martirio por decapitación.

En la predela, continua, se representa como imagen central al Varón de Dolores flanqueado por San Antonio, la Virgen, San Juan y San Jaime. Mientras que en la parte superior se representa la Crucifixión en el centro y a cada lado a los protagonistas de la Anunciación, San Gabriel y la Virgen.

El autor del retablo fue conocido durante años como maestro del Obispo de Galiana, nombre dado por Josep Gudiol y apoyado por C.R. Post, en referencia a esta obra, la más importante que pintó, ya que se desconocía el nombre del pintor que lo realizó. Aunque desde 1992, y a partir de los trabajos de G. Llompart se le ha identificado como Pere Marçol, pintor activo en la isla entre los años 1362 y 1410.

04 mayo 2018

GALA Y DALÍ

El verdadero nombre de Gala era Helena Ivanova Diakonova. En 1916, con 19 años, se trasladó a Suiza para ser internada en un sanatorio debido a la tuberculosis que padecía, allí coincidió con un joven poeta de apenas 18 años, Paul Éluard, con quien se casaría al año siguiente en París y con el que un año más tarde, en 1918, tendría a su única hija, Cécile.

El matrimonio con Éluard era de total libertad, Gala comenzó a mantener relaciones con diferentes hombres, entre ellos Max Ernst, al igual que su marido tenía sus propias amantes.
Leda Atómica (1949)
Éluard la introdujo en el mundo de la bohemia y las vanguardias, formando parte, como musa de algunos artistas, del surrealismo, aunque posteriormente André Breton, ideólogo de este movimiento, la despreció.

En 1929 el matrimonio junto a un grupo de amigos, entre los que se encontraba Magritte, viajó a Cadaqués donde, a instancias de su marido, fueron a visitar a un joven artista cuya obra había admirado en una muestra en París.

Dalí, que en aquel momento contaba con 25 años, diez menos que Gala, quedó completamente fascinado de aquella mujer y cinco años después se casaron en una ceremonia civil.

Gala pasó inmediatamente a convertirse en el centro de su mundo, se convirtió en su musa, a la que retrató en innumerables obras, Leda atómica, La madonna de Port Lligat... su agente y quien le dio una disciplina de trabajo que el artista, desorganizado y genial, nunca había tenido.

Gala de espaldas mirando un
espejo invisible
(1960)
Al igual que en su matrimonio con Éluard, Gala empezó a verse con otros hombres, cada vez más jóvenes y fue alejándose de Dalí, que la seguía idolatrando.

A finales de los años 60 el distanciamiento entre la pareja se hizo más patente, en 1968 Dalí le regaló el castillo de Púbol, Girona, al que Gala se trasladó y en el que viviría con diferentes amantes a los que ya no se preocupaba de esconder y a los que colmaba de carísimos regalos, si Dalí quería visitarla tenía que pedir permiso por escrito.

Gala falleció el 10 de junio de 1982, siendo enterrada en una cripta del castillo al que Dalí se trasladó para estar más cerca de su amada, sumiéndose en una profunda depresión y muriendo en 1989.


27 abril 2018

CURIOSIDADES SOBRE LA CATEDRAL DE SAN BASILIO DE MOSCÚ

Se construyó entre los años 1555 y 1561, sólo en la época de calor, por orden del zar Iván el Terrible para conmemorar la conquista del Kanato de Kazán.

Originalmente se construyeron nueve pequeñas capillas sobre una base común e interconectadas por pasillos, dedicadas a cada uno de los santos en cuyo día el zar ganó una batalla y otra dedicada a la Santísima Trinidad.

Sus ocho cúpulas, rodeando el chapitel central, formaban en el plano dos cuadrados superpuestos que recordaban una estrella de ocho puntas. El ocho simbolizaba el día de la Resurrección de Cristo.

El conjunto de la catedral se completaba con un campanario abierto con tres cúpulas piramidales, en los arcos de los cuales colgaban campanas.

Iglesia de Kolomenskoye, posible
influencia para la catedral de San Basilio
Se desconoce la identidad del arquitecto, aunque tradicionalmente se considera que fueron los maestros Barma y Postnik. Algunos historiadores han propuesto que ambos nombres se refieren a la misma persona, Póstnik Yákovlev, cuyo seudónimo era Iván Yákovlevich Barma.

Según la leyenda el zar Iván el Terrible mandó cegar al arquitecto para que no pudiera volver a construir ningún otro edificio que superara la catedral.

Aunque se sabe que Póstnik Yákovlev siguió en activo construyendo la catedral de la Anunciación y los muros y torres del Kremlin de Kazán.

En realidad su nombre es catedral del Manto de la Virgen junto al foso, por su ubicación junto al foso que sirvió de defensa al Kremlin hasta 1813, aunque es más conocida como catedral de San Basilio debido a que en 1588 el zar Fiódor I Ivánovich trasladó los restos del santo a la catedral, construyendo una nueva capilla sobre su tumba.

San Basilio el Bendito fue considerado un iluminado por Cristo, vivía de la caridad y se paseaba desnudo y descalzo, se creía que hacía milagros y poseía el don de la profecía por lo que era muy respetado en Rusia.

Se dice que San Basilio era la única persona de quien el zar Iván el Terrible tenía miedo.

En 1672 se unió al conjunto una nueva iglesia sobre a tumba de San Juan.

Durante la invasión napoleónica, las tropas la usaron como establo para sus caballos.

En 1812 recibieron la orden de volarla junto al Kremlin, pero una tormenta inesperada apagó las mechas de los explosivos y se evitó la destrucción.

En 1918 los comunistas cerraron el templo, fusilaron al párroco, requisaron los interiores y fundieron las campanas.

Posteriormente el arquitecto P. Baranovski consiguió salvar la catedral de una nueva demolición, posteriormente pasó varios años en el Gulag.

En 1923 fue abierta como museo histórico y arquitectónico, convirtiéndose en una filial del museo Histórico de Moscú.

En 1990 volvió a ser usada como catedral en un acto litúrgico.